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Esta obra de Broadway está cerrada, pero su Pierogi sigue vivo

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De un espectáculo gratuito a un restaurante LES

Samovarchik / Yelp

Samovarchik

La obra de Broadway Natasha, Pierre y el gran cometa de 1812 ardió rápidamente en la Gran Vía Blanca. Pero un aspecto sigue vivo: el pierogi.

Antes de cada espectáculo de la recreación musical de Guerra y paz, los miembros de la audiencia recibieron un solo pierogi de papa. Estas pequeñas albóndigas muy solicitadas viven en Samovarchik, un pequeño café en el Lower East Side de Manhattan. El mostrador sin ascensor vende "The Famous 'Great Comet Pirogie'" a cinco por $ 3, por lo que probablemente sean la mejor comida barata de la ciudad.

Las albóndigas originales del musical provienen de Midtown Samovar ruso, por lo que es apropiado que la ubicación más pequeña del centro use el sufijo ruso -chik para denotar diminutivo).

Así que pase por la pequeña tienda en Stanton Street y vea si le da al pierogi una ovación de pie.


Despertó Broadway: la dificultad de actualizar historias para el escenario

Aquí está una pregunta de Tootsie, el musical de Broadway sobre un actor desempleado que se viste de manera cruzada para el éxito: “En un momento en que las mujeres literalmente están agarrando su poder de entre las piernas de los hombres, tienes la audacia de quitarle un trabajo a uno perpetrando uno? " Esa línea sobresale por varias razones.

¿Es ese realmente un poder en el que están interesadas las mujeres?

De hecho, es una muy buena pregunta.

Dado que Broadway depende cada vez más de las adaptaciones cinematográficas y los avivamientos elegantes, los creadores tienen un nuevo trabajo que hacer (no es que todos lo hagan): revisar el material original para que no ofenda a una audiencia contemporánea y demostrar que hacer un guión más sensible no lo hace. No lo hagas menos mordaz o divertido. Las actualizaciones de libros generalmente eliminan el lenguaje racista u homofóbico y mejoran algunos, aunque generalmente no todos, del sexismo más obvio. Las letras a menudo también se modifican. Pero muchos musicales que apuntan a despertar todavía están medio dormidos. Como Tootsie, un espectáculo bien intencionado, posiblemente más divertido que la película de 1982 que lo inspiró. Reprimió el pánico gay e hizo que su protagonista masculino tuviera en cuenta sus acciones. Y, sin embargo, todavía no podía manejar una protagonista femenina completamente dimensional.

Las intervenciones de Tootsie, aunque no del todo exitosas, fueron más benignas y menos crudas que un par de otras adaptaciones de películas a musicales, King Kong y Pretty Woman, las cuales cierran este mes. King Kong, un ejercicio cínico construido alrededor de una marioneta simiesca gigantesca y ciertamente fantástica, intenta deshacer parte del racismo y la rapidez de la película original eligiendo a un actor de color, Christiani Pitts, como la actriz Ann Darrow y desexualizando ese personaje. Pero al crear un vínculo entre un personaje negro y el simio y hacer que ese simio le enseñe a rugir, el libro de Jack Thorne se transforma en un primitivismo preocupante.

Christiani Pitts como Ann Darrow con King Kong. Fotografía: Matthew Murphy / King Kong en Broadway.

King Kong no se ha molestado en asignarle a Ann rasgos de carácter que no sean vagamente valientes. Por otra parte, sus otros personajes son igualmente delgados. Pretty Woman, una marca de agua alta de los insípidos y los sordos, ha logrado un personaje completamente redondeado con esperanzas y sueños identificables. No es Vivian, el espectador titular. Ella ni siquiera es la protagonista. Su vagina es simplemente el medio por el cual Edward, un capitalista de riesgo, puede crecer. Sorprendentemente, se ha prestado poca atención a cómo se desarrollará ahora una historia sobre una trabajadora sexual sin agencia aparente. (A la mitad de su capacidad, la mayoría de las semanas). En lo que aparentemente es el único esfuerzo de recuperación de la noche, el libro de Garry Marshall y JF Lawton ahora hace que Vivian se rescate a sí misma golpeando a un john que no acepta ninguna respuesta. Es un movimiento machista y equivocado, que equipara el empoderamiento con la violencia.

Un problema similar acosó el renacimiento recientemente cerrado de Kiss Me, Kate, aunque las actualizaciones de Amanda Green al libro de Bella y Samuel Spewack y las letras de Cole Porter son en su mayoría astuto y reflexivo. En el original, cuando la actriz Lilli no se somete a su director y compañero de escena, Fred, él la azota en el escenario. En esta versión, Lilli literalmente le patea el trasero y en la siguiente escena ninguno puede sentarse, lo que suaviza la violencia contra las mujeres, pero aún así no se siente como una mejora.

Sin embargo, supera al Carousel de la temporada pasada, que reconoció que su héroe golpeador de esposas y su libro él-me-golpeó-y-se-sintió-como-un-beso podrían ser un problema y luego no hizo nada al respecto como director. Por el contrario, ¡la atrevida reelaboración de Daniel Fish de Oklahoma! logra ofrecer voz plena e interioridad a todos sus personajes (es cierto que Rodgers y Hammerstein llegaron bastante lejos por su cuenta), sin dejar de deleitarse con sus alegres canciones. Sin cambiar una línea, también muestra cómo una cultura de derechos masculinos y fácil acceso a las armas envenena a toda una comunidad, fronteriza o no. Y My Fair Lady de Bartlett Sher, que se cerró esta primavera, levantó una línea y una escena extrañas de la película de Pigmalión de 1938, para exponer mejor el feminismo ya codificado en el ADN del programa, mostrando cómo el camino de Eliza hacia la individualidad no incluyó someterse a un hombre que no podía admitir que la amaba. Podría conseguir sus propias zapatillas.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James y Jeigh Madjus en Moulin Rouge. Fotografía: Matthew Murphy

Pensé en estas diversas intervenciones el mes pasado en Moulin Rouge !, otra adaptación de una película popular. El musical, con un libro de John Logan, bajó algunas banderas rojas, mientras bailaba can-can con otros. Al igual que el original de Baz Luhrmann, aparentemente se centra en Satine, una célebre actriz y estrella de cabaret, y los hombres que la aman, Christian, un compositor sin un centavo, y el duque de Monroth, un noble y productor penoso.

Pero en esta versión, dirigida por Alex Timbers, el musical que está escribiendo Christian ya no está ambientado en la India, un movimiento que esquiva el rostro moreno y la apropiación cultural. La sexualidad y los disfraces que apenas existen son ahora igualdad de oportunidades. El musical reemplaza sabiamente el excitante intento de violación de la película con el consentimiento de Satine con los ojos abiertos, aunque sin entusiasmo. Incluso le da un motivo semi-noble. Ella se enfrentará al Duque (ahora más joven, más sexy y mucho menos loco) no solo por su dinero, sino también para salvar el club nocturno.

Sin embargo, el musical no se ha molestado en darle a la curtida Satine sus propias ambiciones, algo que incluso la película logró, con los sueños de Satine de convertirse en una verdadera actriz, ni en hacer que su personaje sea tan activo como los hombres que compiten por su cuerpo. Vive, y convenientemente muere, como inspiración y objeto.

La siguiente temporada de Broadway todavía está cambiando y hay muchas obras de teatro y musicales nuevos (Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill) que no tienen que preocuparse por las actualizaciones. Pero con obras como Mrs Doubtfire y Some Like It Hot en desarrollo, más adaptaciones de película a musical sobre chicos con talento para el travestismo y The Devil Wears Prada, que usaba palabras de moda feministas mientras se inclinaba por los estereotipos de género (por no hablar de Don 't Stop Til You Get Enough, el musical de Michael Jackson que debe decidir si aceptar o no las acusaciones de abuso en serie de Jackson), los creadores tendrán que decidir cómo o si mejorarán los originales. Si Broadway quiere crédito por haber despertado, tal vez debería activar la alarma antes.


Despertó Broadway: la dificultad de actualizar historias para el escenario

Aquí está una pregunta de Tootsie, el musical de Broadway sobre un actor sin trabajo que se viste de manera cruzada para el éxito: “En un momento en que las mujeres están literalmente agarrando su poder de entre las piernas de los hombres, tienes la audacia de quitarle un trabajo a uno perpetrando uno? Esa línea sobresale por varias razones.

¿Es ese realmente un poder en el que están interesadas las mujeres?

De hecho, es una muy buena pregunta.

Dado que Broadway depende cada vez más de las adaptaciones cinematográficas y los avivamientos elegantes, los creadores tienen un nuevo trabajo que hacer (no es que todos lo hagan): revisar el material original para que no ofenda a una audiencia contemporánea y demostrar que hacer un guión más sensible no lo hace. No lo hagas menos mordaz o divertido. Las actualizaciones de libros generalmente eliminan el lenguaje racista u homofóbico y mejoran algunos, aunque generalmente no todos, del sexismo más obvio. Las letras a menudo también se modifican. Pero muchos musicales que apuntan a despertar todavía están medio dormidos. Como Tootsie, un espectáculo bien intencionado, posiblemente más divertido que la película de 1982 que lo inspiró. Reprimió el pánico gay e hizo que su protagonista masculino tuviera en cuenta sus acciones. Y, sin embargo, todavía no podía manejar una protagonista femenina completamente dimensional.

Las intervenciones de Tootsie, aunque no del todo exitosas, fueron más benignas y menos crudas que un par de otras adaptaciones de películas a musicales, King Kong y Pretty Woman, las cuales cierran este mes. King Kong, un ejercicio cínico construido alrededor de una marioneta simiesca gigantesca y ciertamente fantástica, intenta deshacer parte del racismo y la rapidez de la película original eligiendo a un actor de color, Christiani Pitts, como la actriz Ann Darrow y desexualizando ese personaje. Pero al crear un vínculo entre un personaje negro y el simio y hacer que ese simio le enseñe a rugir, el libro de Jack Thorne se transforma en un primitivismo preocupante.

Christiani Pitts como Ann Darrow con King Kong. Fotografía: Matthew Murphy / King Kong en Broadway

King Kong no se ha molestado en asignarle a Ann rasgos de carácter que no sean vagamente valientes. Por otra parte, sus otros personajes son igualmente delgados. Pretty Woman, una marca de agua alta de los insípidos y los sordos, ha logrado un personaje completamente redondeado con esperanzas y sueños identificables. No es Vivian, el espectador titular. Ella ni siquiera es la protagonista. Su vagina es simplemente el medio por el cual Edward, un capitalista de riesgo, puede crecer. Sorprendentemente, se ha prestado poca atención a cómo se desarrollará ahora una historia sobre una trabajadora sexual sin agencia aparente. (A la mitad de su capacidad, la mayoría de las semanas). En lo que aparentemente es el único esfuerzo de recuperación de la noche, el libro de Garry Marshall y JF Lawton ahora hace que Vivian se rescate a sí misma golpeando a un john que no acepta ninguna respuesta. Es un movimiento machista y equivocado, que equipara el empoderamiento con la violencia.

Un problema similar acosó el renacimiento recientemente cerrado de Kiss Me, Kate, aunque las actualizaciones de Amanda Green al libro de Bella y Samuel Spewack y las letras de Cole Porter son en su mayoría astutas y reflexivas. En el original, cuando la actriz Lilli no se somete a su director y compañero de escena, Fred, él la azota en el escenario. En esta versión, Lilli literalmente le patea el trasero y en la siguiente escena ninguno puede sentarse, lo que suaviza la violencia contra las mujeres, pero aún así no se siente como una mejora.

Sin embargo, supera al Carousel de la temporada pasada, que reconoció que su héroe golpeador de esposas y su libro él-me-golpeó-y-se-sintió-como-un-beso podrían ser un problema y luego no hizo nada al respecto como director. Por el contrario, ¡la atrevida reelaboración de Daniel Fish de Oklahoma! logra ofrecer voz plena e interioridad a todos sus personajes (es cierto que Rodgers y Hammerstein llegaron bastante lejos por su cuenta), sin dejar de deleitarse con sus alegres canciones. Sin cambiar una línea, también muestra cómo una cultura de derechos masculinos y fácil acceso a las armas envenena a toda una comunidad, fronteriza o no. Y My Fair Lady de Bartlett Sher, que se cerró esta primavera, levantó una línea y una escena extrañas de la película de Pigmalión de 1938, para exponer mejor el feminismo ya codificado en el ADN del programa, mostrando cómo el camino de Eliza hacia la individualidad no incluyó someterse a un hombre que no podía admitir que la amaba. Podría conseguir sus propias zapatillas.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James y Jeigh Madjus en Moulin Rouge. Fotografía: Matthew Murphy

Pensé en estas diversas intervenciones el mes pasado en Moulin Rouge !, otra adaptación de una película popular. El musical, con un libro de John Logan, bajó algunas banderas rojas, mientras bailaba can-can con otros. Al igual que el original de Baz Luhrmann, aparentemente se centra en Satine, una célebre actriz y estrella de cabaret, y los hombres que la aman, Christian, un compositor sin un centavo, y el duque de Monroth, un noble y productor penoso.

Pero en esta versión, dirigida por Alex Timbers, el musical que está escribiendo Christian ya no está ambientado en la India, un movimiento que esquiva el rostro moreno y la apropiación cultural. La sexualidad y los disfraces que apenas existen son ahora igualdad de oportunidades. El musical reemplaza sabiamente el excitante intento de violación de la película con el consentimiento de Satine con los ojos abiertos, aunque sin entusiasmo. Incluso le da un motivo semi-noble. Ella se enfrentará al Duque (ahora más joven, más sexy y mucho menos loco) no solo por su dinero, sino también para salvar el club nocturno.

Sin embargo, el musical no se ha molestado en darle a la curtida Satine sus propias ambiciones, algo que incluso la película logró, con los sueños de Satine de convertirse en una verdadera actriz, ni en hacer que su personaje sea tan activo como los hombres que compiten por su cuerpo. Vive, y convenientemente muere, como inspiración y objeto.

La siguiente temporada de Broadway todavía está cambiando y hay muchas obras de teatro y musicales nuevos (Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill) que no tienen que preocuparse por las actualizaciones. Pero con obras como Mrs Doubtfire y Some Like It Hot en desarrollo, más adaptaciones de película a musical sobre chicos con talento para el travestismo y The Devil Wears Prada, que usaba palabras de moda feministas mientras se inclinaba por los estereotipos de género (por no hablar de Don 't Stop Til You Get Enough, el musical de Michael Jackson que debe decidir si aceptar o no las acusaciones de abuso en serie de Jackson), los creadores tendrán que decidir cómo o si mejorarán los originales. Si Broadway quiere crédito por haber despertado, tal vez debería activar la alarma antes.


Despertó Broadway: la dificultad de actualizar historias para el escenario

Aquí está una pregunta de Tootsie, el musical de Broadway sobre un actor desempleado que se viste de manera cruzada para el éxito: “En un momento en que las mujeres literalmente están agarrando su poder de entre las piernas de los hombres, tienes la audacia de quitarle un trabajo a uno perpetrando uno? " Esa línea sobresale por varias razones.

¿Es ese realmente un poder en el que están interesadas las mujeres?

De hecho, es una muy buena pregunta.

Dado que Broadway depende cada vez más de las adaptaciones cinematográficas y los avivamientos elegantes, los creadores tienen un nuevo trabajo que hacer (no es que todos lo hagan): revisar el material original para que no ofenda a una audiencia contemporánea y demostrar que hacer un guión más sensible no lo hace. No lo hagas menos mordaz o divertido. Las actualizaciones de libros generalmente eliminan el lenguaje racista u homofóbico y mejoran algunos, aunque generalmente no todos, del sexismo más obvio. Las letras a menudo también se modifican. Pero muchos musicales que apuntan a despertar todavía están medio dormidos. Como Tootsie, un espectáculo bien intencionado, posiblemente más divertido que la película de 1982 que lo inspiró. Reprimió el pánico gay e hizo que su protagonista masculino tuviera en cuenta sus acciones. Y, sin embargo, todavía no podía manejar una protagonista femenina completamente dimensional.

Las intervenciones de Tootsie, aunque no del todo exitosas, fueron más benignas y menos crudas que un par de otras adaptaciones de películas a musicales, King Kong y Pretty Woman, las cuales cierran este mes. King Kong, un ejercicio cínico construido alrededor de una marioneta simiesca gigantesca y ciertamente fantástica, intenta deshacer parte del racismo y la rapidez de la película original eligiendo a un actor de color, Christiani Pitts, como la actriz Ann Darrow y desexualizando ese personaje. Pero al crear un vínculo entre un personaje negro y el simio y hacer que ese simio le enseñe a rugir, el libro de Jack Thorne se transforma en un primitivismo preocupante.

Christiani Pitts como Ann Darrow con King Kong. Fotografía: Matthew Murphy / King Kong en Broadway

King Kong no se ha molestado en asignarle a Ann rasgos de carácter que no sean vagamente valientes. Por otra parte, sus otros personajes son igualmente delgados. Pretty Woman, una marca de agua alta de los insípidos y los sordos, ha logrado un personaje completamente redondeado con esperanzas y sueños identificables. No es Vivian, el espectador titular. Ni siquiera es la protagonista. Su vagina es simplemente el medio por el cual Edward, un capitalista de riesgo, puede crecer. Sorprendentemente, se ha prestado poca atención a cómo se desarrollará ahora una historia sobre una trabajadora sexual sin agencia aparente. (A la mitad de su capacidad, la mayoría de las semanas). En lo que aparentemente es el único esfuerzo de recuperación de la noche, el libro de Garry Marshall y JF Lawton ahora hace que Vivian se rescate a sí misma golpeando a un john que no acepta ninguna respuesta. Es un movimiento machista y equivocado, que equipara el empoderamiento con la violencia.

Un problema similar acosó el renacimiento recientemente cerrado de Kiss Me, Kate, aunque las actualizaciones de Amanda Green al libro de Bella y Samuel Spewack y las letras de Cole Porter son en su mayoría astutas y reflexivas. En el original, cuando la actriz Lilli no se somete a su director y compañero de escena, Fred, él la azota en el escenario. En esta versión, Lilli literalmente le patea el trasero y en la siguiente escena ninguno puede sentarse, lo que suaviza la violencia contra las mujeres, pero aún así no se siente como una mejora.

Sin embargo, supera al Carousel de la temporada pasada, que reconoció que su héroe golpeador de esposas y su libro él-me-pegó-y-se-sintió-como-un-beso podrían ser un problema y luego no hizo nada al respecto como director. Por el contrario, ¡la atrevida reelaboración de Daniel Fish de Oklahoma! logra ofrecer voz plena e interioridad a todos sus personajes (es cierto que Rodgers y Hammerstein llegaron bastante lejos por su cuenta), sin dejar de deleitarse con sus alegres canciones. Sin cambiar una línea, también muestra cómo una cultura de derechos masculinos y fácil acceso a las armas envenena a toda una comunidad, fronteriza o no. Y My Fair Lady de Bartlett Sher, que se cerró esta primavera, levantó una línea y una escena extrañas de la película de Pigmalión de 1938, para exponer mejor el feminismo ya codificado en el ADN del programa, mostrando cómo el camino de Eliza hacia la individualidad no incluyó someterse a un hombre que no podía admitir que la amaba. Podría conseguir sus propias zapatillas.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James y Jeigh Madjus en Moulin Rouge. Fotografía: Matthew Murphy

Pensé en estas diversas intervenciones el mes pasado en Moulin Rouge !, otra adaptación de una película popular. El musical, con un libro de John Logan, bajó algunas banderas rojas, mientras bailaba can-can con otros. Al igual que el original de Baz Luhrmann, aparentemente se centra en Satine, una célebre actriz y estrella de cabaret, y los hombres que la aman, Christian, un compositor sin un centavo, y el duque de Monroth, un noble y productor penoso.

Pero en esta versión, dirigida por Alex Timbers, el musical que está escribiendo Christian ya no está ambientado en la India, un movimiento que esquiva el rostro moreno y la apropiación cultural. La sexualidad y los disfraces que apenas existen son ahora igualdad de oportunidades. El musical reemplaza sabiamente el excitante intento de violación de la película con el consentimiento de Satine con los ojos abiertos, aunque sin entusiasmo. Incluso le da un motivo semi-noble. Ella se enfrentará al Duque (ahora más joven, más sexy y mucho menos loco) no solo por su dinero, sino también para salvar el club nocturno.

Sin embargo, el musical no se ha molestado en darle a la curtida Satine sus propias ambiciones, algo que incluso la película logró, con los sueños de Satine de convertirse en una verdadera actriz, ni en hacer que su personaje sea tan activo como los hombres que compiten por su cuerpo. Vive y muere convenientemente como inspiración y objeto.

La siguiente temporada de Broadway todavía está cambiando y hay muchas obras de teatro y musicales nuevos (Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill) que no tienen que preocuparse por las actualizaciones. Pero con obras como Mrs Doubtfire y Some Like It Hot en desarrollo, más adaptaciones de película a musical sobre chicos con talento para el travestismo, y The Devil Wears Prada, que usaba palabras de moda feministas mientras se inclinaba por los estereotipos de género (por no hablar de Don 't Stop Til You Get Enough, el musical de Michael Jackson que debe decidir si aceptar o no las acusaciones de abuso en serie de Jackson), los creadores tendrán que decidir cómo o si mejorarán los originales. Si Broadway quiere crédito por haber despertado, tal vez debería activar la alarma antes.


Despertó Broadway: la dificultad de actualizar historias para el escenario

Aquí está una pregunta de Tootsie, el musical de Broadway sobre un actor sin trabajo que se viste de manera cruzada para el éxito: “En un momento en que las mujeres están literalmente agarrando su poder de entre las piernas de los hombres, tienes la audacia de quitarle un trabajo a uno perpetrando uno? " Esa línea sobresale por varias razones.

¿Es ese realmente un poder en el que están interesadas las mujeres?

De hecho, es una muy buena pregunta.

Dado que Broadway depende cada vez más de las adaptaciones cinematográficas y los avivamientos elegantes, los creadores tienen un nuevo trabajo que hacer (no es que todos lo hagan): revisar el material original para que no ofenda a una audiencia contemporánea y demostrar que hacer un guión más sensible no lo hace. No lo hagas menos mordaz o divertido. Las actualizaciones de libros generalmente eliminan el lenguaje racista u homofóbico y mejoran algunos, aunque generalmente no todos, del sexismo más obvio. Las letras a menudo también se modifican. Pero muchos musicales que apuntan a despertar todavía están medio dormidos. Como Tootsie, un espectáculo bien intencionado, posiblemente más divertido que la película de 1982 que lo inspiró. Reprimió el pánico gay e hizo que su protagonista masculino tuviera en cuenta sus acciones. Y, sin embargo, todavía no podía manejar una protagonista femenina completamente dimensional.

Las intervenciones de Tootsie, si no del todo exitosas, fueron más benignas y menos crudas que un par de otras adaptaciones de películas a musicales, King Kong y Pretty Woman, las cuales cierran este mes. King Kong, un ejercicio cínico construido alrededor de una marioneta simiesca gigantesca y ciertamente fantástica, intenta deshacer parte del racismo y la rapidez de la película original eligiendo a un actor de color, Christiani Pitts, como la actriz Ann Darrow y desexualizando ese personaje. Pero al crear un vínculo entre un personaje negro y el simio y hacer que ese simio le enseñe a rugir, el libro de Jack Thorne se transforma en un primitivismo preocupante.

Christiani Pitts como Ann Darrow con King Kong. Fotografía: Matthew Murphy / King Kong en Broadway

King Kong no se ha molestado en asignarle a Ann rasgos de carácter que no sean vagamente valientes. Por otra parte, sus otros personajes son igualmente delgados. Pretty Woman, una marca de agua alta de los insípidos y los sordos, ha logrado un personaje completamente redondeado con esperanzas y sueños identificables. No es Vivian, el espectador titular. Ni siquiera es la protagonista. Su vagina es simplemente el medio por el cual Edward, un capitalista de riesgo, puede crecer. Sorprendentemente, se ha prestado poca atención a cómo se desarrollará ahora una historia sobre una trabajadora sexual sin agencia aparente. (A la mitad de su capacidad, la mayoría de las semanas). En lo que aparentemente es el único esfuerzo de recuperación de la noche, el libro de Garry Marshall y JF Lawton ahora hace que Vivian se rescate a sí misma golpeando a un john que no acepta ninguna respuesta. Es un movimiento machista y equivocado, que equipara el empoderamiento con la violencia.

Un problema similar acosó el renacimiento recientemente cerrado de Kiss Me, Kate, aunque las actualizaciones de Amanda Green al libro de Bella y Samuel Spewack y las letras de Cole Porter son en su mayoría astuto y reflexivo. En el original, cuando la actriz Lilli no se somete a su director y compañero de escena, Fred, él la azota en el escenario. En esta versión, Lilli literalmente le patea el trasero y en la siguiente escena ninguno puede sentarse, lo que suaviza la violencia contra las mujeres, pero aún así no se siente como una mejora.

Sin embargo, supera al Carousel de la temporada pasada, que reconoció que su héroe golpeador de esposas y su libro él-me-golpeó-y-se-sintió-como-un-beso podrían ser un problema y luego no hizo nada al respecto como director. Por el contrario, ¡la atrevida reelaboración de Daniel Fish de Oklahoma! logra ofrecer voz plena e interioridad a todos sus personajes (es cierto que Rodgers y Hammerstein llegaron bastante lejos por su cuenta), sin dejar de deleitarse con sus alegres canciones. Sin cambiar una línea, también muestra cómo una cultura de derechos masculinos y fácil acceso a las armas envenena a toda una comunidad, fronteriza o no. Y My Fair Lady de Bartlett Sher, que cerró esta primavera, levantó una línea y una escena extrañas de la película de Pigmalión de 1938, para exponer mejor el feminismo ya codificado en el ADN del programa, mostrando cómo el camino de Eliza hacia la individualidad no incluyó someterse a un hombre que no podía admitir que la amaba. Podría conseguir sus propias zapatillas.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James y Jeigh Madjus en Moulin Rouge. Fotografía: Matthew Murphy

Pensé en estas diversas intervenciones el mes pasado en Moulin Rouge !, otra adaptación de una película popular. El musical, con un libro de John Logan, bajó algunas banderas rojas, mientras bailaba can-can con otros. Al igual que el original de Baz Luhrmann, aparentemente se centra en Satine, una célebre actriz y estrella de cabaret, y los hombres que la aman, Christian, un compositor sin un centavo, y el duque de Monroth, un noble y productor penoso.

Pero en esta versión, dirigida por Alex Timbers, el musical que está escribiendo Christian ya no está ambientado en la India, un movimiento que esquiva el rostro moreno y la apropiación cultural. La sexualidad y los disfraces que apenas existen son ahora igualdad de oportunidades. El musical reemplaza sabiamente el excitante intento de violación de la película con el consentimiento de Satine con los ojos abiertos, aunque sin entusiasmo. Incluso le da un motivo semi noble. Ella se enfrentará al Duque (ahora más joven, más sexy y mucho menos loco) no solo por su dinero, sino también para salvar el club nocturno.

Sin embargo, el musical no se ha molestado en darle a la curtida Satine sus propias ambiciones, algo que incluso la película logró, con los sueños de Satine de convertirse en una verdadera actriz, ni en hacer que su personaje sea tan activo como los hombres que compiten por su cuerpo. Vive y muere convenientemente como inspiración y objeto.

La siguiente temporada de Broadway todavía está cambiando y hay muchas obras de teatro y musicales nuevos (Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill) que no tienen que preocuparse por las actualizaciones. Pero con obras como Mrs Doubtfire y Some Like It Hot en desarrollo, más adaptaciones de películas a musicales sobre chicos con talento para el travestismo y The Devil Wears Prada, que usaba palabras de moda feministas mientras se inclinaba por los estereotipos de género (por no hablar de Don 't Stop Til You Get Enough, el musical de Michael Jackson que debe decidir si aceptar o no las acusaciones de abuso en serie de Jackson), los creadores tendrán que decidir cómo o si mejorarán los originales. Si Broadway quiere crédito por haber despertado, tal vez debería activar la alarma antes.


Despertó Broadway: la dificultad de actualizar historias para el escenario

Aquí está una pregunta de Tootsie, el musical de Broadway sobre un actor sin trabajo que se viste de manera cruzada para el éxito: “En un momento en que las mujeres están literalmente agarrando su poder de entre las piernas de los hombres, tienes la audacia de quitarle un trabajo a uno perpetrando uno? Esa línea sobresale por varias razones.

¿Es ese realmente un poder en el que están interesadas las mujeres?

De hecho, es una muy buena pregunta.

Dado que Broadway depende cada vez más de las adaptaciones cinematográficas y los avivamientos elegantes, los creadores tienen un nuevo trabajo que hacer (no es que todos lo hagan): revisar el material original para que no ofenda a una audiencia contemporánea y demostrar que hacer un guión más sensible no lo hace. No lo hagas menos mordaz o divertido. Las actualizaciones de libros generalmente eliminan el lenguaje racista u homofóbico y mejoran algunos, aunque generalmente no todos, del sexismo más obvio. Las letras a menudo también se modifican. Pero muchos musicales que apuntan a despertar todavía están medio dormidos. Como Tootsie, un espectáculo bien intencionado, posiblemente más divertido que la película de 1982 que lo inspiró. Reprimió el pánico gay e hizo que su protagonista masculino tuviera en cuenta sus acciones. Y, sin embargo, todavía no podía manejar una protagonista femenina completamente dimensional.

Las intervenciones de Tootsie, si no del todo exitosas, fueron más benignas y menos crudas que un par de otras adaptaciones de películas a musicales, King Kong y Pretty Woman, las cuales cierran este mes. King Kong, un ejercicio cínico construido alrededor de una marioneta simiesca gigantesca y ciertamente fantástica, intenta deshacer parte del racismo y la rapidez de la película original eligiendo a un actor de color, Christiani Pitts, como la actriz Ann Darrow y desexualizando a ese personaje. Pero al crear un vínculo entre un personaje negro y el simio y hacer que ese simio le enseñe a rugir, el libro de Jack Thorne se transforma en un primitivismo preocupante.

Christiani Pitts como Ann Darrow con King Kong. Fotografía: Matthew Murphy / King Kong en Broadway

King Kong no se ha molestado en asignarle a Ann rasgos de carácter que no sean vagamente valientes. Por otra parte, sus otros personajes son igualmente delgados. Pretty Woman, una marca de agua alta de los insípidos y los sordos, ha logrado un personaje completamente redondeado con esperanzas y sueños identificables. No es Vivian, el espectador titular. Ni siquiera es la protagonista. Su vagina es simplemente el medio por el cual Edward, un capitalista de riesgo, puede crecer. Sorprendentemente, se ha prestado poca atención a cómo se desarrollará ahora una historia sobre una trabajadora sexual sin agencia aparente. (A la mitad de su capacidad, la mayoría de las semanas). En lo que aparentemente es el único esfuerzo de recuperación de la noche, el libro de Garry Marshall y JF Lawton ahora hace que Vivian se rescate a sí misma golpeando a un john que no acepta ninguna respuesta. Es un movimiento machista y equivocado, que equipara el empoderamiento con la violencia.

Un problema similar acosó el renacimiento recientemente cerrado de Kiss Me, Kate, aunque las actualizaciones de Amanda Green al libro de Bella y Samuel Spewack y las letras de Cole Porter son en su mayoría astuto y reflexivo. En el original, cuando la actriz Lilli no se somete a su director y compañero de escena, Fred, él la azota en el escenario. En esta versión, Lilli literalmente le patea el trasero y en la siguiente escena ninguno puede sentarse, lo que suaviza la violencia contra las mujeres, pero aún así no se siente como una mejora.

Sin embargo, supera al Carousel de la temporada pasada, que reconoció que su héroe golpeador de esposas y su libro él-me-pegó-y-se-sintió-como-un-beso podrían ser un problema y luego no hizo nada al respecto como director. Por el contrario, ¡la atrevida reelaboración de Daniel Fish de Oklahoma! logra ofrecer voz plena e interioridad a todos sus personajes (es cierto que Rodgers y Hammerstein llegaron bastante lejos por su cuenta), sin dejar de deleitarse con sus alegres canciones. Sin cambiar una línea, también muestra cómo una cultura de derechos masculinos y fácil acceso a las armas envenena a toda una comunidad, fronteriza o no. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Ver el vídeo: EL JOVENCITO FRANKENSTEIN - Highlights Madrid, 2018 (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Lueius

    Creo que estás cometiendo un error. Propongo discutirlo.

  2. Maclean

    Lo siento, pero necesito algo completamente diferente. ¿Quién más puede sugerir?



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